porte renaud mène un travail sculptural fondé sur l'expérimentation de la matière. Il développe des sortes de recettes pour façonner ses pièces. Celles-ci paraissent être à la fois le fruit du façonnage de l'artiste et du passage du temps, de la nature. Suite à sa résidence d'artiste-touriste à La Rochelle, porte renaud a composé un paysage à traverser dans l'atelier bletterie. Dans la rue, au sol, un ensemble de sculptures, proposées à la vente, attire le passant. Il s'interroge sur leur forme qui invite à l'imagination. Sa curiosité l'amène alors à avancer son regard vers l'espace de la de rentrer, il doit oser retirer ses chaussures. Même s'il peut y voir comme une sorte d'épreuve, le visiteur découvre ensuite le plaisir de marcher sur le sol recomposé par l'artiste. Constitué d'une multitude de feuilles de papier de ponçage, celui-ci peut faire penser à une plage de sable. Différentes propositions sculpturales ont trouvé leur place sur cette nouvelle étendue. Chacune met en lumière un détail architectural de l'espace. Alter2 intrigue le spectateur. Cette pièce l'invite à se demander si un événement aurait eu lieu. Constituée d'un conglomérat de divers matériaux, elle suggère également un élément qui aurait été découvert. Un fragment réalisé à partir de ces deux éléments est à découvrir rue St Nicolas. Dans un petit recoin, Mes poussières, les vôtres 1 2, une boîte contenant des empreintes de fossiles, fait surgir en nous des souvenirs de l'enfance. Au fur et à mesure de sa promenade qui l'amène à poser son regard au sol, le spectateur découvre des petites formes réalisées en pâte à modeler artisanale. De loin, celles-ci évoquent comme des galets de plage. De près, une petite tête se une table, des cartes postales et des carnets rendent compte de l'échange entre l'artiste et la commissaire. Au fond, une vidéo sous format carte postale témoigne d'une expérience que l'artiste a mené lors de sa résidence, en chantant un air d’opéra, l'artiste a cherché à faire l'épreuve du la fenêtre, on peut découvrir un travail en cours, Survivance2, une sorte de greffe de matière qui évolue depuis le début de l'exposition. porte renaud a effectué comme un acte de réparation dans un mur. L’œuvre in process suscite l'étonnement et l'envie de revenir voir son évolution. Par ses interventions in situ, l'artiste provoque des situations étranges, qui amènent les passants à s'interroger sur ce qui se passe sur les murs ; un récit se à son parcours, le visiteur peut vivre une expérience singulière. porte renaud a installé un atelier où il propose un moulage de pied. Cette action prend la forme d'un moment convivial et d'un court et intense échange. Chaque moulage lui servira à créer une nouvelle sculpture, une fois rentré à Mulhouse. Par ce protocole, l'artiste poursuit ses rencontres avec les ciel est bleu, la mer est verte est une exposition qui vit dans le temps. Elle se modifie au fur et à mesure du passage des visiteurs. La scénographie renouvèle la relation du spectateur à l’œuvre. Il est incité à éprouver le contact avec la matière et les pièces l'incitent également au toucher. Chaque proposition sculpturale gardera des traces de leur installation à La Rochelle. Elles pourront être réinterprétées, dans l'atelier. Les rencontres qui ont lieu et les réflexions des visiteurs sur ses pièces enrichissent la réflexion de l'artiste tout au long des jours d'ouvertures de l' découvrir absolument jusqu'au 15 octobre

Paroles de la chanson Escale par Colette Renard Le ciel est bleu, la mer est verte Laisse un peu la fenêtre ouverte. Le flot qui roule à l'horizon Me fait penser à un garçon Qui ne croyait ni Dieu ni diable. Je l'ai rencontré vers le nord Un soir d'escale sur un port Dans un bastringue abominable L'air sentait la sueur et l'alcool Il ne portait pas de faux-col Mais un douteux foulard de soie En entrant je n'ai vu que lui Et mon coeur en fut ébloui De joie. Le ciel est bleu, la mer est verte Laisse un peu la fenêtre ouverte. Il me prit la main sans un mot Et m'entraîna hors du bistrot Tout simplement d'un geste tendre Ce n'était pas un compliqué Il demeurait le long du quai Je n'ai pas cherché à comprendre Sa chambre donnait sur le port Des marins saoûls chantaient dehors Un bec de gaz d'un halo blême Eclairait le triste réduit Il m'écrasait tout contre lui Je t'aime Le ciel est bleu, la mer est verte Laisse un peu la fenêtre ouverte. Son baiser me brûle toujours Est-ce là ce qu'on dit l'amour Son bateau mouillait dans la rade Chassant les rêves de la nuit Au jour naissant il s'est enfui pour rejoindre les camarades Je l'ai vu monter sur le pont Et si je ne sais pas son nom Je connais celui du navire Un navire qui s'est perdu Quant aux marins nul n'en peut plus Rien dire Le ciel est bas, la mer est grise Ferme la fenêtre à la brise.

Le Deal du moment Cartes Pokémon où commander le coffret ... Voir le deal € Famille Philippe Morize Grand Public Chansons anciennes 2 participantsAuteurMessageasta ricInvitéSujet chansons anciennes Ven 21 Aoû - 1726 Je recherche une chanson avec ces paroles "Le ciel est bleu, la mer est belle". Pouvez-vous m'aidez ?marin mademoiselle Philippe_MAdminNombre de messages 403Age 80Localisation Pont Ste MaxenceDate d'inscription 02/11/2007Sujet Re chansons anciennes Sam 22 Aoû - 1611 Pouvez-vous nous dire de qui est cette chanson et si ce sont bien les paroles car j'en connais une où il y est dit "Le Ciel est bleu, la mer est verte", une chanson d'Edith Piaf_________________Invité, le webmaste,merci d'être passé et j'espère vous revoir ici leslie03InvitéSujet chanson ancienne Sam 16 Jan - 1946 Tout ce que je connais c'est Le ciel est bleu, la mer est belle, mais attention tenez vous bien quand on a pas le pied marin, on peut glisser mademoiselle...elle...le JocelyneNombre de messages 250Age 75Localisation oiseDate d'inscription 25/11/2007Sujet Re chansons anciennes Lun 18 Jan - 1140 Cette chanson s'appelle Quand on a pas le pied marin".Elle fait partie du recueil Chansons Françaises de 1919 à 1929 que l'on peut se procurer sur Contenu sponsoriséSujet Re chansons anciennes chansons anciennes Page 1 sur 1 Sujets similaires» paroles de chansons» des chansons de mes grands-parents» recherche de 2 chansons anciennes» karaoké de chansons rétro» accords pour accompagnement chansons anciennesPermission de ce forumVous ne pouvez pas répondre aux sujets dans ce forumFamille Philippe Morize Grand Public Chansons anciennesSauter vers

Suite du panorama bleu. Voir partie 1 Le bleu comme couleur de l’âme et de l’inconscient Le bleu est associé au rêve et à l’inconscient par les artistes surréalistes au 20e siècle. Paul Éluard nous dit La terre est bleue comme une orange». René Magritte René Magritte – Der blaue reiter Le Cavalier bleu, mouvement d’art majeur de l’expressionnisme allemand. Fin de l’année 1911, voyait le jour Der blaue reiter Le Cavalier bleu, mouvement d’art majeur de l’expressionnisme allemand. Le Cavalier bleu tient son nom d’un tableau de Franz Marc représentant de façon un peu abstraite des chevaux bleus. Il s’imposa très vite comme un mouvement essentiel dans le monde de l’art avec des artistes tels Wassily Kandinsky , August Macke, Franz Marc ou Paul Klee, rassemblés à Murnau près de Munich. Ce mouvement, alliant aussi bien des aquarelles abstraites Kandinsky qu’une poésie de la nature et de la couleur Macke, Marc, a fait date, entraînant dans sa foulée la célèbre école du Bauhaus fondée par Walter Gropius à Weimar. Franz Marc – Les romantiques allemands ont célébré le culte de cette couleur mélancolique. Le Voyageur contemplant une mer de nuages, 1818, Caspar David Friedrich, Hambourg, Kunsthalle Ou encore Novalis die blaue Blume la fleur bleue ou le Rêve d’Henri d’Ofterdingen Et Caspar David Friedrich, Cimetière de monastère dans la neige, 1819 David Caspar Friedrich, Paysage de montagne sous la brume, 1808, 71×104, huile sur toile, Museum Schloss Heidecksburg, Rudolstat – Une forme du jazz, le blues », est considérée comme le chant de l’âme. B. B. King pour Blues Boy, de son vrai nom Riley B. King, né le 16 septembre 1925 à Itta Bena, dans le Mississippi aux États-Unis et mort le 14 mai 2015 à Las Vegas, est un guitariste, compositeur et chanteur de blues américain. Il est considéré comme l’un des meilleurs musiciens de blues. Le bleu de l’eau La mer est devenue bleue au fil des âges. En effet elle était verte conventionnellement quand on la représentait de l’antiquité moderne jusqu’à l’aube des temps modernes ; en témoignent les 1eres cartes marines. Entre fin du 14e et le début du 18e siècle elle change progressivement de couleur du vert au bleu. Par codification le bleu pour la mer permet notamment de différencier les eaux des forêts sur les cartes. Nicolas de Stael Cy Twombly – Sea, 1971 Cy Twombly David Hockney David Hockney pool at the Roosevelt Hotel David Hockney déclina le thème de la piscine durant toute sa vie. Gerhard Richter Joan Mitchell Zaria Forman, voir son site ici Zaria Forman qui vit et travaille à New York, travaille de grands formats au pastel. L’eau, la glace, ici les icebergs du Groenland. Le bleu au-delà de son rôle de mimétisme Henri Matisse Henri Matisse était particulièrement intéressé par la couleur mais ne cherchait pas forcément à représenter ce qu’il voyait dans la nature Quand je mets un vert, ça ne veut pas dire de l’herbe, quand je mets du bleu, ça ne vaut pas dire du ciel. » Le tableau s’organisait de lui-même par l’équilibre et la résonance des couleurs entre elles. Il tenait compte aussi de la surface colorée 1 cm2 d’un bleu n’est pas aussi bleu qu’un m2 du même bleu. » A la fin de sa vie Matisse atteint la synthèse de la forme et de la couleur qu’il a toujours recherchée en peignant en bleu des formes abstraites et sobres découpées au ciseau. Nu Bleu IV – Jazz d’Henri Matisse 1952 A la fin de sa vie Matisse atteint la synthèse de la forme et de la couleur qu’il a toujours recherchée en peignant en bleu des formes abstraites et sobres découpées au ciseau. Henri Matisse, Jazz – Icare pl. VIII, planche au pochoir d’après les gouaches et sur les découpages d’Henri Matisse. Paris, Tériade Éditeur, 1947. Musée Matisse, Nice. Don des héritiers de l’artiste, 1963. Photo Archives Henri Matisse. © Succession H. Matisse. Paul Gauguin Arbres bleus – Paul Gauguin 1888 Gauguin La couleur qui est vibration de même que la musique», ces mots de Paul Gauguin illustrent bien l’usage si particulier qu’il fait des couleurs. Il les compose, les harmonise, les fait dissoner… L’oeuvre de Paul Gauguin influencera fortement les nabis et les fauves. Le fauvisme consiste aussi à ne pas peindre ce que nous savons, mais ce que nous voyons, quitte à l’exagérer. Donc en fonction de la lumière, les couleurs auront des dominantes, qui seront mises en avant. Pierre Alechinsky Pierre Alechinsky, arbre bleu 2000. Pierre Alechinsky, arbre bleu 2000. Pierre Alechinsky, dans le cadre du projet des Murs peints de l’an 2000″, a peint un immense Arbre bleu sur la façade d’un immeuble du 5e arrondissement de Paris, à l’entrée du quartier Mouffetard-Contrescarpe. Réalisée directement sur le mur, l’Arbre bleu se distingue au milieu des immeubles gris La peinture est accompagnée, à la demande de l’artiste, d’un poème d’Yves Bonnefoy. C’est comme un dialogue entre les mots du poème et la peinture qui l’accompagne. Le poème d’Yves Bonnefoy évoque la nécessité de préserver la nature dans les villes, c’est comme une bouffée d’oxygène. Le poète nous explique aussi que, bien que ce ne soit que la représentation d’un arbre, elle offre néanmoins aux spectateurs un coin de ciel bleu. L’immense Arbre bleu est entouré, sur quatre côtés, d’une série de vignettes destinées à compléter le sens du tableau. Ces petites cases qui ressemblent à une bande dessinée s’appellent des prédelles. C’est au spectateur d’inventer l’histoire ! Elles interagissent avec l’image centrale appelant notre œil à naviguer entre les deux. Ces images en périphérie nous montrent des arbres brûlés, minuscules et faibles, et des fragments de vie urbaine escaliers, bâtiments… Le bleu froid ou chaud ? Les glaciers sont blancs nous dit Michel Pastoureau mais les super glaciers sont bleus, au-delà du blanc ou super blanc. Jusqu’à la renaissance, voire dans certains cas jusqu’au 18e siècle le bleu est une couleur chaude. Cf. Traité des couleurs de Goethe parut en 1810 pour qui le bleu est chaud et le jaune est froid. Dans l’absolu il n’y a pas de couleurs chaudes ou froides, ce sont des conventions qui peuvent varier selon les époques. Cette nuance est fort importante car si on analyse un tableau de la renaissance avec nos yeux de contemporains et sans tenir compte de cette information, on peut se tromper complètement ! De nos jours donc le bleu est une couleur froide et sa couleur complémentaire est le orange. voir La couleur expliquée et son vocabulaire Le bleu de la tristesse 1903 Picasso entame sa période bleue après le suicide de son ami Carlos Casagemas en 1901. Elle va durer jusqu’en 1904 et se caractérise par une utilisation envahissante du bleu comme couleur et une ambiance profondément mélancolique. Il peint le portrait d’exclus de la société et des drames qui traversent notre vie vieillesse, mort, pauvreté, misère, solitude, mendiant, aveugles, pauvres. Ses personnages sont souvent faméliques et se rapprochent de l’expressionnisme du Greco. Picasso – Vieux Juif avec un garçon – Jeune homme Picasso,Les pauvres au bord de la mer, 1903 – Huile sur panneau de bois, 105×69 cm – National Gallery of Art, Washington Picasso, La Vie, 1903 – Huile sur toile, 197×127,3 cm – Cleveland Museum of Art Picasso Pablo Picasso, 1901 Autoportrait Le blues musical fait aussi partie de cette rubrique, abordé par ailleurs. Le bleu dans la peinture Yves Klein Yves Klein a fait du bleu sa couleur de prédilection, au point de déposer un brevet sur son fameux bleu IKB qui signifie International Klein Blue. C’est en 1956, qu’il met au point cette nouvelle teinte, faite avec du pigment pur de bleu Outremer dont il parvient à conserver l’intensité en utilisant un nouveau liant à base d’alcool éthylique et d’acétate. C’est un chimiste qui l’aidera Edouard Adam. Il l’appliquera non seulement sur des tableaux monochromes, mais également sur du papier, des objets, des éponges et même des sculptures. Il n’est pas le premier à peindre un tableau monochrome, avant lui, en 1918, Kasimir Malevitch avait peint le Carré blanc sur fond blanc », mais c’est le premier à réaliser autant de tableaux monochromes entre 1955 et 1962, il réalisa quelques 194 monochromes, ce qui est un brin provocateur pour l’époque un tableau, dont la surface est d’une seule couleur, est-il une oeuvre d’art ? Klein_ikb_3_1960_4 IKB 3 fait partie d’une série, peinte entre 1960 et 1961, de quinze de ces monochromes dont la spécificité réside dans leurs dimensions symboliques de 2m x 1m50, à peine plus hautes que la moyenne des spectateurs et d’une largeur inférieure à l’envergure des bras ». Conçus à la mesure du corps humain, ces monochromes, tout comme les anthropométries, signifient chez Klein le lien intime qui unit la peinture au corps et à la chair. » Anthropométries d’Yves Klein Anthropométries d’Yves Klein Anthropométries d’Yves Klein Passé également maître dans l’art de la mise en scène, il organise une exposition le 28 avril 1958, chez Iris Clert, où les visiteurs, après être passés sous un porche surmonté d’un dai bleu profond, avoir été invités à boire une boisson bleue, se retrouvent dans une salle de vingt mètres carrés peinte en blanc poudré et doivent imaginer les toiles bleues accrochées au mur. Toute la force de Klein est de nous imprégner de ce bleu Outremer et de nous entraîner au-delà de l’existence matérielle du tableau. Il n’y a plus de toile devant nos yeux, de délimitation d’un espace, nous sommes au cœur du bleu profond, dans l’abstraction. Pour Klein, le bleu n’a pas de dimension, il est hors dimension, tandis que les autres couleurs, elles, en ont …. Toutes les couleurs amènent des associations d’idées concrètes, matérielles et tangibles, tandis que le bleu rappelle tout au plus la mer et le ciel, ce qu’il y a après tout de plus abstrait dans la nature tangible et visible ». Yves Klein nous parle du bleu chez Giotto dans une conférence à la Sorbonne en 1959, pour répondre à la question Pourquoi le bleu ? Il dit avoir reçu un choc à Assise dans la basilique de saint François en voyant les fresques bleue attribuées à Giotto. Il soulève la monochromie du ciel pur et sans nuage. Peu de temps avant, lors d’une exposition collective il décide de ne pas exposer de tableau ou d’objet tangible ou visible dans l’espace qui lui était attribué. Lors du vernissage il déclame devant le public des paroles empruntées à Gaston Bachelard D’abord il n’y a rien, ensuite il y a un rien profond, puis une profondeur bleue ». L’organisateur de l’exposition demandant à Klein où se trouve son œuvre, il répond là, là où je parle en ce moment». Et à la question de son prix Un kilo d’or, un lingot d’or pur d’1 kg me suffira, car la sensibilité picturale à l’état de matière première dans l’espace spécialisée et stabilisée par l’artiste, les quelques paroles prononcées, ont fait couler le sang de cette sensibilité spatiale ; ainsi on ne peut demander de l’argent. Le sang de la sensibilité est bleu dit Chailley et c’est aussi mon avis. Le prix du sang bleu ne peut être en aucun cas celui de l’argent, il faut que ce soit de l’or. Yves Klein défend la primauté de la couleur sur le dessin. Un vieux débat qui apparaît dès la fin du moyen-âge chez les artistes en d’autres mots, qu’est ce qui est important, le dessin ou la couleur ? il faut attendre Hegel pour dire que sans la couleur la peinture n’est rien. Un débat qui oppose au 19e Ingres la ligne et Delacroix la couleur. Jusqu’à Klein, l’art abstrait non figuratif, on a cette violente opposition. Pour moi les couleurs sont des êtres vivants, les véritables habitants l’espace, la ligne elle ne fait que le parcourir, voyager au travers, elle ne fait que passer. » Yves klein Portrait relief Arman, Yves Klein. Le bleu ici amplifie la présence lumineuse et immatérielle de la représentation de son ami. Le bleu de Jacques Monory A la fois bleu du souvenir, celui d’une distance prise par le regardeur sur une scène cinématographique ou réelle. Histoire de rue, de crime le bleu et les découpes permettent d’entrevoir les évènements représentés avec froideur et recul. Il est l’un des principaux représentants du mouvement de la Figuration narrative qui, au milieu des années 1960, s’est opposé à la peinture abstraite avec, notamment, les peintres Hervé Télémaque, Erró, Rancillac, Peter Klasen, Eduardo Arroyo, Valerio Adami… Profondément préoccupé par la violence de la réalité quotidienne, les tableaux de Monory suggèrent des atmosphères lourdes et menaçantes. Les thèmes sont développés à travers des séries et les images qu’il utilise sont directement issues de la société contemporaine. Des emprunts photographiques et cinématographiques, le recours à la monochromie, la froideur de la touche et de la composition caractérisent un style singulier et engagé dans la représentation, et baignent souvent dans un monochrome bleu. Monory Meurtre N°1 Il réalise en 1968 plus de 10 toiles sur le sujet de la violence dans le quotidien. Pour Monory ce n’est ni le bleu du ciel ni le bleu de la mer, mais celui de la télé noir et blanc ! Quand on la photographie, elle est bleue ». Le peintre qui affectionne les subtilités de la peinture à l’huile précise Le bleu, ça va du noir au blanc, du plus sombre au plus clair » avant d’ajouter Le bleu c’est lointain, c’est la rêverie, c’est romantique ! ». Meurtre n°2 Tremblement n°1 La Voleuse n°1, 1985, huile sur toile, 170×340 cm Collection privée. 2010 Peinture sentimentale N°8, huile sur toile et photo sous plexiglas Le bleu dans la sculpture, les installations Anish Kapoor Anish Kapoor, né le 12 mars 1954 à Bombay, Inde, est un artiste plasticien principalement sculpteur britannique. Kapoor est reconnu pour ses créations inspirées à la fois de la culture occidentale et de ses origines orientales. Parmi ses influences diverses peuvent être cités Mantegna, Joseph Beuys, Barnett Newman et Yves Klein. Les caractéristiques de son œuvre sont des formes simples, incurvées, monochromatiques d’une seule couleur et de couleurs intenses. Le spectateur s’interroge alors sur de mystérieuses cavités sombres, étonnantes par leur taille et leur beauté épurée, tactiles, et fascinantes en raison de la réflexion de leurs surfaces. Ses premières œuvres étaient recouvertes, en totalité et sur le sol environnant, de poudres de pigments divers. Cette pratique était inspirée de son Inde natale où Kapoor voyait des tas d’épices colorées sur les marchés et les temples. Ses travaux ultérieurs s’intéressent à de massives pierres issues de carrières, et jouant avec la dualité terre-ciel, matière-esprit, lumière-obscurité, visible-invisible, conscient-inconscient, mâle-femelle et corps-âme. Ces travaux récents sont basés sur des surfaces réfléchissantes et miroirs, renvoyant au spectateur une image déformée de lui-même et de l’environnement. 7 Sky Mirror au Kensington Gardens à Londres. Le bleu de l’espace, de l’architecture et des environnements Les cieux de Giotto comptent parmi les premiers fonds bleus » cités dans l’histoire de la peinture, par analogie et opposition aux fonds d’or » caractéristiques des icônes paléochrétiennes. Une des innovations du peintre pré renaissant » était de représenter les scènes bibliques sur fond bleu. Le Ciel théologique se trouvait là associé à la couleur bleue. Ce glissement de l’or au bleu, dans le cadre spécifique de la foi chrétienne, pose la question de la proximité symbolique de ces deux couleurs. En utilisant le bleu pour ses fonds, Giotto répondait pertinemment à un certain nombre de questions, tant d’ordre théologique que spatial, qui se trouvaient ainsi solutionnées voire sublimées. Au plan théologique, le bleu, à partir de Giotto, est devenu une couleur idéologique le bleu de l’Ether, Ciel de Dieu. Le fond bleu, à partir de Giotto, est à la fois figure et lieu. Ce fond, s’il semble relever de la tradition byzantine, peut être lié à l’idée de l’absence, du vide, ou de la vacuité où les figures semblent flotter dans l’espace infini. Le bleu dématérialise la peinture, transforme la perception de l’espace. Giotto, Assise la chapelle Saint-Nicolas de la basilique Saint-François. Giotto – Padoue- la chapelle Scrovegni 1303-1306. Vue des fresques de la voute. Le bleu de Padoue Le bleu est la première couleur qui frappe le visiteur lorsqu’il pénètre dans la pénombre de la Capella degli Scrovegni. Inhabituel par sa vivacité pour l’époque, il tranche avec le coloris sombre des mosaïques byzantines et les couleurs des fresques siennoises ou de Cimabue. La couleur semble prédominer sur la forme ou l’architecture comme une lumière. Cy Twombly Cy Twombly, un plafond bleu Giotto pour le Louvre, un bleu qu’il a rarement utilisé dans ses oeuvres. Cartouche de Polyclète, The ceiling, Cy Twombly, plafond de la salle des Bronzes du Musée du Louvre C’est vrai, j’ai peu utilisé le bleu, hormis ma dernière série exposée à Athènes. Pour moi, ce n’est pas le bleu de la Grèce, ni du ciel, ni de la mer. C’est le bleu de la peinture, le bleu de Giotto que j’ai recherché, un bleu simple et plein, entre cobalt et le lapis-lazuli» J’ai utilisé les cercles en guise de boucliers dans le ciel bleu. Pour ce qui est de l’écriture, les Grecs écrivaient sur tout, vous savez. Même sur une petite coupe, ils inscrivaient J’appartiens à Phidias » ou d’autres choses du même genre. Un jour, j’ai fait la maquette, juste comme ça, en me servant d’une bouteille ou d’un verre pour dessiner les cercles. Ensuite, je n’ai ajouté aucun changement, quel qu’il soit. J’ai vu une amie artiste, Barbara, passer devant mon atelier. Je lui ai dit d’entrer et de mélanger les couleurs pour moi. J’avais un nuancier avec toutes les variétés de bleus, le bleu profond, les couleurs caramel, le gris brunâtre. Et pour les cercles, j’en ai mis un ici et un autre là-bas. Pour qu’ils ne sautent pas. Cela reste assez plat. Il n’y a pas de conflit entre eux. Je ne voulais pas d’animation. Ils sont juste sur les bords et j’ai laissé le plafond ouvert sur le ciel bleu, un bleu Giotto. » Cy Twombly Le nom de sept sculpteurs grecs est inscrit dans des cartouches blanches. Le plafond éclaire la salle et égaye les bronzes antiques que Cy Twombly aimait collectionner. Son oeuvre s’inspire souvent de la mythologie greco-romaine. Il vivait depuis plusieurs années en Italie dans une maison entre Rome et Naples. Jean Vérame Jean Vérame est un plasticien français, d’origine belge, vivant en France, né en 1936 à Gand Belgique Peintre et sculpteur, Jean Vérame situe son travail à la dimension du paysage et développe un art nomade à l’échelle de la planète Jean Vérame, Tibesti. Tchad, 1989 Maroc Tafraout Anti-atlas 1984 Jean Vérame peint l’étendu infini du désert, échangeant sa toile pour le paysage sans limite. Les bleus et autres couleurs très saturées qu’il utilise ne sont pas sans rappeler celles de Klein. Son œuvre entend aussi capter la vibration naturelle du cosmos» Un des mille bronzes en offrande au désert du Sahara 1995 Jean Vérame © Photos Jean Verame Jean Verame conçoit et fait réaliser en bronze, mille pièces en 1995 et fait lancer par avion ces mille bronzes en cinq vols successifs dans les sables du Sahara. Mille bronzes ont ainsi été coulés chez Airaindor-Valsuani à Chevreuse, ont été exposés une seule fois au Musée de l’Homme à Paris, puis ensuite largués dans les sables du Sahara. Ces pièces signées, numérotées, portant cachet de fonderie et patinées en bleu sont un cadeau à celui ou celle qui les trouve, mais à un homme hors-temps, aussi bien celui d’aujourd’hui que celui d’après-demain. » Ce geste fort coûteux inscrit l’art hors du temps. Pour une démarche de land artiste habitué à l’aspect éphémère de la production voir Le Land Art, un partenariat entre l’art et le paysage le matériau employé est cette fois-ci redoutablement solide ; le bronze saura peut-être appartenir à l’archéologie du futur ! Voir son site Lita Albuquerque Lita Albuquerque est une artiste américaine, plutôt engagée dans le courant du Land Art, mais elle pratique aussi la peinture, la sculpture et les installations. Stellar Axis Antarctica ». Lita Albuquerque 2006 En décembre 2006, Lita Albuquerque reçoit l’appui de la United States National Science Foundation pour la réalisation de la plus imposante oeuvre de Land Art jamais créé sur le continent antarctique Stellar Axis Antarctica. Stellar Axis est conçue comme une carte des étoiles, composée de 99 sphères bleues aquamarine, alignées sur la banquise de Ross en Antarctique, la taille de chaque sphère correspondant à la luminosité de l’étoile concordante. L’échelle du projet et la difficulté du lieu contribuent à faire de cette expérience un cas exceptionnel dans le land art, plus habitué à l’accueillante verdure des champs et des forêts. L’œuvre établi un dialogue entre la terre et l’espace infini du cosmos. L’œuvre a été qualifiée de Stonehenge des temps modernes » combinant art et science, et examinant la relation de l’homme au cosmos. Stellar Axis Antarctica ». Lita Albuquerque 2006 1996-Sol-Star- Lita Albuquerque Lita Albuquerque Lita Albuquerque James Turell nous l’avions vu ici La lumière dans l’art et dans tous ses états Part 3 James Turell est un artiste américain. Il est né en 1943 à Los Angeles dans une famille quaker d’origine franco-irlandaise, il vit et travaille à Flagstaff en Arizona, ainsi qu’en Irlande. Son médium de prédilection est la lumière. Depuis la fin des années 60, les installations de James Turrell, appelées aussi environnements perceptuels », sont réalisées à partir d’un seul matériau la lumière, naturelle ou artificielle. Mis à part les dessins et les plans qui accompagnent ses œuvres de plus grande envergure, sa production ne comporte ainsi aucun objet en tant que tel. Ses interventions, ses installations en chambre » ou à ciel ouvert, procèdent toutes d’une quête artistique qui déstabilise nos relations au réel. En manipulant la lumière, James Turrell sollicite les sens, il se joue de la perception du spectateur, il la bouscule, la trompe… Entre ses mains la lumière prend une extraordinaire matérialité, création d’espaces fictifs… troublant puis fascinant… James Turell Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent Le jardin Majorelle est un jardin botanique touristique inspiré de jardin islamique d’environ 300 espèces sur près d’un hectare à Marrakech au Maroc et un musée de la culture berbère. Il porte le nom de son fondateur, l’artiste peintre français Jacques Majorelle 1886-1962, qui l’a créé en 1931. Acheté par Yves Saint Laurent et Pierre Bergé en 1980, il appartient à ce jour à la Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent et la maison est labellisée Maisons des Illustres depuis 2011. 120 moutons bleus, installés par l’artiste allemand Rainer Bonk, place du Château, à Strasbourg. Une installation originale et éphémère destinée à véhiculer un message de paix. Le bleu symbolise ici aussi l’Europe. Cracking Art Group Regenaration » Cracking Art Group Installation Duomo Milano. Le bleu de la publicité Le blues de la publicité L’affiche bleue Une plage de tranquillité dans le chaos urbain. Après les affiches noires sans publicité voici les affiches bleues. Ce tableau d’un bleu monochrome aperçu par hasard au détour d’une rue n’est bien sûr pas une oeuvre d’Yves Klein. Son IKB, International Klein Blue », est plus profond, plus violent. Ici la couleur bleue est pâle, couleur de ciel, apaisante. C’est une petite touche de douceur succédant, bien involontairement à la cacophonie publicitaire habituelle. La communication est devenue muette. Porte de Versailles et Mairie d’Issy sont des stations en bout de ligne, moins fréquentées que celles du centre. Cette épidémie d’affiches monochromes va-t-elle s’étendre au coeur de Paris? La station Place de Clichy est déjà atteinte par la maladie bleue. Affiches bleues sur les murs de Paris août 2009 Couloir Place de Clichy Quelques publicités bleues 1982-Gitanes, allumettes nuit bleue A aborder avec des élèves dans un but préventif et écologique écologie du corps inclus 🙂 Publicité pour adidas Avril 2013, comme chaque année, l’équipe de Chelsea change son maillot, un événement pour les supporters. Adidas, leur équipementier, a d’ores et déjà lancé les préventes sans dévoiler pour autant l’allure du fameux t-shirt. Pour faire patienter les fans, un teasing publicitaire très esthétique plonge les Fernando Torres, John Terry ou encore Juan Mata dans un gigantesque pot de peinture bleue. Voir la pub ici adidas Le bleu lumière Cathédrale de Rouen, extrait de la série de Claude Monet qui a peint le monument sous divers lumières ou saisons. Claude Monet – Palazzo Contarini, Venezia, 1908. Dan Flavin L’œuvre de Dan Flavin plonge le spectateur dans le bleu, grâce à une sculpture en néons bleus. Ici, Dan Flavin fait référence au bleu qu’Yves Klein utilise de façon quasi obsessionnelle dans ses œuvres. Cela revient à faire une citation de son œuvre. Nous pourrions mettre dans cette rubrique les œuvres de Klein pour la couleur lumière, mais aussi Van Gogh, Giotto, Miro, Kandinsky, James Turell… Le bleu pur et ses nuances, ses associations Fin du 19e les artistes s’interroge sur la pureté des couleurs. Un bleu pur c’est-à-dire concentré sur lui-même est non mélangé à d’autres couleurs. Une couleur ne vient pas seule, elle prend du sens associée à d’autres. Depuis les temps anciens, l’or et le bleu ont entretenu des liens artistiques étroits avec le divin, et ce quasi universellement. Il faut entendre par divin » ce qui transcende l’homme. Les deux couleurs symbolisent la présence divine, mais également un sentiment d’Infini et d’éternité. La terre est bleue comme une orange. » Paul Eluard Le bleu et le rouge un fort contraste comme nous l’avons vu très utilisé par les artistes comme en témoignent les images de ce billet. Joan Miró né le 20 avril 1893 à Barcelone et mort le 25 décembre 1983 à Palma de Majorque, était un peintre, sculpteur et céramiste espagnol, considéré comme un artiste majeur du surréalisme et de l’Art moderne. L’un des plus radicaux théoriciens et fondateurs du surréalisme, André Breton, décrit Miró comme le plus surréaliste d’entre nous », même si celui-ci rejette toute idée d’appartenance à un mouvement pictural entre deux-guerres. Miró exprime son mépris provocateur pour la peinture au moins celle que l’on considère conventionnellement et son désir de la tuer et de l’assassiner en faveur de nouveaux moyens d’expression dans de nombreux écrits et entrevues des années 1930. Joan Miró Des expressions avec la couleur bleue avoir le sang bleu être d’origine noble avoir les bleus être triste, mélancolique casque bleu soldat de l’ONU col bleu ouvrier colère bleue colère violente conte bleu discours mensonger cordon bleu personne très habile en cuisine détenir le ruban bleu avoir la première place donner son bleu à quelqu’un le renvoyer du gros bleu vin rouge de mauvaise qualité en être tout bleu être figé d’étonnement en rester bleu être figé d’étonnement être blanc-bleu avoir une réputation intacte être bleu être figé d’étonnement être bleu de quelqu’un _expression belge être amoureux fou être chocolat bleu pâle _expression belge être mal en point, avoir mal au coeur être dans le bleu être dans l’incertitude, être dans un rêve être fleur bleue être candide, être naïf faire le bleu sécher les cours la grande bleue la mer Méditerranée la planète bleue la planète Terre l’heure bleue moment qui précède l’aube l’or bleu richesse représentée par la mer et le tourisme qui y est lié menton bleu menton rasé laissant deviner une barbe très noire n’y voir que du bleu n’y rien voir papier bleu acte d’huissier passer au bleu oublier dans un but précis steak bleu steak grillé extérieurement mais cru à l’intérieur un bas-bleu une femme savante et ridicule un petit bleu télégramme une peur bleue peur violente Pour conclure Comme on l’a vu les conventions, les sensibilités et l’évolution des connaissances interviennent dans la façon de considérer le bleu en fonction des époques. Le bleu est très codifié selon le pays ou le moment dans l’histoire. Le bleu est un excellent thème transdisciplinaire, il est possible de lier la physique-chimie, l’histoire – géo, les arts plastiques, l’éducation musicale… © Sylvia Ladic Sources Michel Pastoureau Des goûts et des couleurs avec Michel Pastoureau le bleu , émission radio – HORS-CHAMPS – par Laure Adler – Laure Adler reçoit Michel Pastoureau, historien. – réalisé par Brigitte Bouvier Interview de Cy twombly par Marie-Laure Bernadac in The ceiling. quelques livres Si vous avez aimé cet article, vous aimerez aussi peut-être Interview de Stéphane Dubois ou le rêve lumineux La lumière dans l’art et dans tous ses états Part. 1 La lumière dans l’art et dans tous ses états Part 2 La lumière dans l’art et dans tous ses états Part 3 Friedensreich Hundertwasser, artiste écologiste engagé Des matériaux lumineux dans l’art

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le ciel est bleu la mer est verte